FANTÁSTICO INTERIOR EN LA CASA ENCENDIDA – FUNDACIÓN MONTEMADRID
Fantástico interior se compone de cuatro escenas, intervenciones que se suceden a lo largo del año a cargo de cuatro artistas distintos, cuyo hilo conductor son cuestiones como la intimidad, el autocuidado y la construcción de la subjetividad. A través de la práctica de estos artistas -Ad Minoliti, Marina González Guerreiro, Eva Kot’átková y Korakrit Arunanondchai-, el curador Rafa Barber Cortell invita a pensar en el imaginario que se ha creado en torno al “mundo interior”.
El interior se entiende en este programa como ese espacio en el que la modernidad nos enseñó a guardar los sentimientos delicados y vulnerables, esos que no se muestran en público, y de los que cada vez es más importante hablar. Por medio de esas cuatro escenas, así como de distintas activaciones de carácter performativo y de un epílogo a modo de publicación que recoge las distintas voces que atraviesen el proceso, este recorrido curatorial busca crear una polifonía que, como una de esas conversaciones pausadas que se tienen en la intimidad, aspira a tejer una red de empatías de la que el visitante se pueda sentir parte.
Fantástico interior, que toma su título de una colección de relatos de varios autores compilada por la escritora de ficción Pilar Pedraza, invita a pensar con cuidado sobre lo que pasaba y lo que pasa dentro, tratando de comprender la evolución de la gramática de la intimidad después de años de escritura acelerada, con artistas, con arte, con performance y con tiempo.
Del 27 enero al 27 marzo: Cuentos peluche, de Ad Minoliti (Buenos Aires, Argentina, 1980).
Cuentos peluche es una instalación inmersiva que navega de forma sutil a través de las estrategias simbólicas que el sistema utiliza para darnos forma y asignarnos una identidad desde que comenzamos a existir dentro de un sistema binario.
Supone una primera parada para este recorrido a través de lo interior volviendo al principio, a la infancia, a ese punto de partida que luego trajo todo lo demás. La exposición imagina una infancia que no se bifurca en dos direcciones, sino que busca con cuidado sus opciones, porque como dice le artiste "tal vez ha llegado el momento de que los niños dejen de ser el futuro para ser capaces de decidir su presente".
Del 20 de abril al 19 de junio: Marina González Guerreiro (A Guarda, España, 1992).
El trabajo de Marina González Guerreiro se fija en la belleza de los instantes rutinarios a los que a veces no se presta toda la atención que merecen. Lavar, ordenar, barrer son pequeños actos que en su trabajo se vuelven centrales y reivindican una relación con los objetos y con el tiempo que se enfrenta, sin violencia, a la aceleración del presente.
Cuestiones relacionadas con la gramática emocional vinculada a la adolescencia, el cambio de etapa o el comienzo de algo nuevo, conviven con los referentes de carácter espacial o visual característicos de su obra. La idea de los espacios intermedios que conectan otros espacios, como un puente o una ventana, se perfilan como puntos de partida para una exposición en la que trabaja desde lo pequeño para construir una gran instalación.
Del 6 de julio al 2 de octubre: Machine For Restoring Empathy, de Eva Kot’átková (Praga, Republica Checa 1982).
Machine For Restoring Empathy (título provisional) es una instalación transitable que utiliza piezas de ropa cosidas de forma comunitaria sobre una gran estructura de metal. La pieza se convierte en un organismo que alberga y representa a animales, personas, plantas y objetos analizando sus relaciones entre sí. Un ejemplo del enfoque participativo de Koťátková es la activación de esta pieza, la cual se lleva a cabo a través de talleres de costura y narración. En ellos, diferentes grupos de visitantes comparten sus experiencias y cuentan relatos mientras realizan estas labores dando lugar a elementos que dan forma a la propia obra. Una pieza de encuentro con los otros, empatía y escucha, un espacio para ‘ponerse en el lugar del otro’, una cualidad humana que en muchas ocasiones solo se alcanza en la madurez.
Del 19 de octubre de 2022 al 8 de enero de 2023: Songs for Living, Songs for dying, de Korakrit Arunanondchai (Bangkok, Tailandia 1986).
Songs for Living, Songs for dying examina la capacidad de curación de los chamanes después de la masacre de Jeju en 1948 en Corea del Sur. Las narrativas personales centradas en el abuelo del artista recientemente fallecido y las referencias culturales pop de la trilogía cinematográfica Los juegos del hambre se combinan en el contexto de las protestas estudiantiles actuales en Tailandia.
El modo en que la intimidad se manifiesta a través de lo espiritual y lo tecnológico son temas constantes en su práctica: sus instalaciones cuestionan las formas en las que la cultura occidental se construye invitando al espectador a abrirse a nuevas formas de narrar, más transversales, horizontales e inclusivas.
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Hace unas cuantas décadas la utopía del arte consistía en incorporar al espectador a la obra, ya fuera de manera física o sensorial. Frank Popper denominó dichas prácticas con el término de “arte de participación”.
El Pabellón de Alemania en la 59ª Exposición Internacional de Arte, la Biennale di Venezia 2022, presentará a la artista Maria Eichhorn. Al elegir a Eichhorn, nacida en Bamberg en 1962 y residente en Berlín, el curador Yilmaz Dziewior se ha decidido por una artista de gran reconocimiento internacional conocida tanto por su enfoque conceptual como por su sutil sentido del humor. Con gestos visualmente mínimos, intervenciones espaciales y obras basadas en procesos, Eichhorn examina críticamente las estructuras de poder institucional y las interrelaciones políticas y económicas.
ALEMANIA EN LA 59ª BIENAL DE VENECIA: UNA PREGUNTA ESENCIAL SOBRE PABELLONES NACIONALES
El Pabellón de Alemania en la 59ª Exposición Internacional de Arte, la Biennale di Venezia 2022, presentará a la artista Maria Eichhorn. Al elegir a Eichhorn, nacida en Bamberg en 1962 y residente en Berlín, el curador Yilmaz Dziewior se ha decidido por una artista de gran reconocimiento internacional conocida tanto por su enfoque conceptual como por su sutil sentido del humor. Con gestos visualmente mínimos, intervenciones espaciales y obras basadas en procesos, Eichhorn examina críticamente las estructuras de poder institucional y las interrelaciones políticas y económicas.
El síndrome de Estocolmo ocurre cuando una víctima establece un vinculo afectivo con sus captores. Con la maternidad muchas mujeres se sienten así: con la vida tomada y sin escapatoria. Sin embargo, los secuestradores no son las hijas o los hijos. El perpetrador es el sistema patriarcal que, bajo el relato del amor, oculta las labores que sostienen la vida al tiempo que las explota. Las obras aquí expuestas develan la maternidad como un concepto en disputa. De un lado está la violencia de los órdenes laborales y legales; del otro, las luchas que se entretejen como una marea en torno a las demandas por los derechos reproductivos y las estrategias de cuidado que escapan a la acumulación capitalista. Esta es una muestra sobre la enorme potencia política de la maternidad.
EL MUAC EXHIBE “MATERNAR: ENTRE EL SÍNDROME DE ESTOCOLMO Y LOS ACTOS DE PRODUCCIÓN”
El síndrome de Estocolmo ocurre cuando una víctima establece un vinculo afectivo con sus captores. Con la maternidad muchas mujeres se sienten así: con la vida tomada y sin escapatoria. Sin embargo, los secuestradores no son las hijas o los hijos. El perpetrador es el sistema patriarcal que, bajo el relato del amor, oculta las labores que sostienen la vida al tiempo que las explota. Las obras aquí expuestas develan la maternidad como un concepto en disputa. De un lado está la violencia de los órdenes laborales y legales; del otro, las luchas que se entretejen como una marea en torno a las demandas por los derechos reproductivos y las estrategias de cuidado que escapan a la acumulación capitalista. Esta es una muestra sobre la enorme potencia política de la maternidad.
ARCOmadrid, organizada por IFEMA MADRID, cerró el domingo su 40+1 Aniversario con un balance comercial calificado por las galerías participantes como muy positivo. La atractiva presentación de galerías y programas artísticos que han conformado los contenidos de esta edición han atraído una cifra global de 75.000 visitantes, entre los cuales se destacan 30.000 profesionales del arte.
CONCLUSIONES DE ARCOmadrid Y LA REACTIVACIÓN EUROPEA
ARCOmadrid, organizada por IFEMA MADRID, cerró el domingo su 40+1 Aniversario con un balance comercial calificado por las galerías participantes como muy positivo. La atractiva presentación de galerías y programas artísticos que han conformado los contenidos de esta edición han atraído una cifra global de 75.000 visitantes, entre los cuales se destacan 30.000 profesionales del arte.
Esta exposición, con curaduría por Vanessa K. Davidson, Ph.D. y coorganizada por el Phoenix Art Museum y el Blanton Museum of Art, es la primera retrospectiva de la obra del artista colombiano Oscar Muñoz en Estados Unidos
EL MUSEO BLANTON EXHIBE “INVISIBILIA” DE OSCAR MUÑOZ
Esta exposición, con curaduría por Vanessa K. Davidson, Ph.D. y coorganizada por el Phoenix Art Museum y el Blanton Museum of Art, es la primera retrospectiva de la obra del artista colombiano Oscar Muñoz en Estados Unidos
Kunsthalle Lissabon presenta Tactiles, la primera exposición individual en Portugal del artista costarricense Federico Herrero.
LAS FORMAS DEL COLOR SEGÚN FEDERICO HERRERO
Kunsthalle Lissabon presenta Tactiles, la primera exposición individual en Portugal del artista costarricense Federico Herrero.
El Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) exhibe María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito, la primera exposición institucional dedicada a la práctica de la artista colombiana María Teresa Hincapié (Armenia, 1954 – Bogotá, 2008). Pionera en Colombia y en América Latina, Hincapié tenía una definición de lo performativo muy particular que solía llamar “entrenamiento”, resistiendo cualquier categorización específica; más bien oscilaba entre la vida, la creación en movimiento y la búsqueda de lo sagrado.
MEDELLÍN - PRIMERA RETROSPECTIVA EN MUSEO DE MARÍA TERESA HINCAPIÉ
El Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) exhibe María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito, la primera exposición institucional dedicada a la práctica de la artista colombiana María Teresa Hincapié (Armenia, 1954 – Bogotá, 2008). Pionera en Colombia y en América Latina, Hincapié tenía una definición de lo performativo muy particular que solía llamar “entrenamiento”, resistiendo cualquier categorización específica; más bien oscilaba entre la vida, la creación en movimiento y la búsqueda de lo sagrado.
Emplazado en los límites de los barrios de La Latina y Embajadores, dentro de un complejo de oficios de los años 60, El Chico es uno de los espacios clave de la escena emergente que comienza a ocupar el centro de Madrid. Decimos espacio por dar una nomenclatura general y práctica. Sin embargo, su creador y director, Javier Aparicio (México 1985), conviene en que los límites de este proyecto no son tan importantes y que, en todo caso, si vamos a empeñarnos en definirlo, “El Chico es, por ahora, un Podcast con espacio”. “El podcast”, explica, “se ha vuelto una herramienta de reclamo para acercarse”.
‘EL CHICO’ LABORATORIO DE LA NUEVA GENERACIÓN - ENTREVISTA CON JAVIER APARICIO
Emplazado en los límites de los barrios de La Latina y Embajadores, dentro de un complejo de oficios de los años 60, El Chico es uno de los espacios clave de la escena emergente que comienza a ocupar el centro de Madrid. Decimos espacio por dar una nomenclatura general y práctica. Sin embargo, su creador y director, Javier Aparicio (México 1985), conviene en que los límites de este proyecto no son tan importantes y que, en todo caso, si vamos a empeñarnos en definirlo, “El Chico es, por ahora, un Podcast con espacio”. “El podcast”, explica, “se ha vuelto una herramienta de reclamo para acercarse”.